SEASON 18 EPISODE 10: “Playlist 2023 Part 2 – TOP 15” [Podcast]

Nel podcast trovate l’attesissima TOP 15 della Playlist 2023 di Sounds & Grooves 

In questo decimo episodio scoprirete le posizioni dal #15 alla vetta della mia personalissima classifica 2023

Eccoci di nuovo puntuali con l’appuntamento quindicinale di Sounds & Grooves che per il 18° anno consecutivo impreziosisce (mi piace pensarlo) lo straordinario palinsesto di www.radiorock.to. 18 anni…siamo diventati maggiorenni!!!! A pensarci è incredibile che sia passato già così tanto tempo da quando abbiamo iniziato questa folle ma fantastica avventura. Come (credo) sappiate, la nostra podradio è nata per dare un segnale di continuità con quella meravigliosa radio del passato che molti custodiscono nel cuore e a cui ho provato a dare un piccolo contributo dal 1991 al 2000.

Sappiamo tutti benissimo che la Radio Rock in FM come la intendevamo noi è sparita da tanto tempo, ma in tutti questi anni di podcast sul web abbiamo cercato di tenere accesa quella fiammella per poi tentare di moltiplicarla, facendola diventare un faro di emozioni e qualità musicale. Perché la passione e la voglia di fare radio, la voglia di ascoltare e di condividere la musica di qualità, nonostante tutto, non ci è mai passata.

Questa creatura dopo quasi 4 lustri continua orgogliosamente a remare controcorrente, cercando quella libertà in musica che nell’etere è ormai diventata una mosca bianca, ed esprimendo con forza la passione per la condivisione, per la ricerca, per l’approfondimento. Non dobbiamo aderire ad una cieca linea editoriale che ormai spinge esclusivamente il pulsante play dei servizi di streaming, ma ci lasciamo guidare semplicemente dal nostro cuore e dalla nostra passione. Fulvio Savagnone, Marco Artico, Giampiero Crisanti, Franz Andreani, Flavia Cardinali, Francesco Cauli, Ivan Di Maro, Massimo Santori aka Moonchild, Maurizio Nagni ed io proviamo ogni giorno a coinvolgervi con i nostri podcast regolari e con le rubriche tematiche di approfondimento, sperando di farvi sentire sempre di più parte di questa fantastica avventura.

In questo decimo episodio stagionale finalmente ascolterete l’attesissima seconda parte della mia personale classifica del 2023 dove scoprirete le posizioni dalla #15 fino alla vetta, quest’anno appannaggio di un gruppo che ha saputo rendere attuale, oscuro e ancora più affascinante un genere legato alla tradizione. In questo spazio, come quasi ogni anno, ho voluto semplicemente buttare giù, come appuntandoli su un taccuino, gli album che negli ultimi 12 mesi ho ascoltato di più, e che sono riusciti maggiormente a coinvolgermi, e condividere con voi le mie emozioni. Nonostante ci siano un milione di classifiche sparse nel web, sia quelle compilate dalla varie (più o meno trendy) music webzines e magazines, che quelle postate sui vari profili personali dei social networks, credo che da ognuna di queste ci sia sempre da qualcosa da imparare, uno o più nomi da annotare per poi approfondire con curiosità. Il tutto, come sempre, sulle onde sonore della podradio più libera ed indipendente del pianeta: radiorock.to.

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Iniziamo il podcast con il disco che si trova al #15 della mia playlist annuale. “Questo è il nostro terzo album. È un disco che risponde alle ansie del momento: ecologia, isolamento, estinzione, tecnologia, l’appiattimento della storia, la morsa sclerotica di una cultura impantanata in citazioni, riferimenti e immaginazione svuotata.” Così i The God In Hackney hanno provato a raccontare in breve The World In Air Quotes, disco (purtroppo) quasi ignorato dalle nostre parti (nonostante abbiano fan dal nome altisonante come Mike Watt o Thurston Moore) ma che ho trovato sorprendentemente interessante e coinvolgente. Il gruppo è composto dal nucleo centrale Andy Cooke, Dan Fox, Ashley Marlowe e Nathaniel Mellors, cha hanno poi ampliato la formazione includendo i polistrumentisti e compositori americani Eve Essex (Eve Essex & The Fabulous Truth, Das Audit, Peter Gordon & Love of Life Orchestra, Peter Zummo, Liturgy) e Kelly Pratt (Father John Misty, David Byrne/St Vincent, Beirut e Lonnie Holley tra i tanti). Dan Fox, Nathaniel Mellors e Andy Cooke si sono conosciuti alla scuola d’arte di Oxford, a metà degli anni Novanta, senza però all’epoca fare musica insieme. Di fatto il gruppo esiste da ben 25 anni, nato inizialmente come progetto parallelo dei Socrates That Practices Music, gruppo fondato da Cooke nel 1998 a Londra. The God In Hackney è un progetto ad ampio respiro, che pur partendo da basi art rock che ricordano a tratti alcuni gruppi progressive del passato, ingloba diversi generi musicali, dal jazz al rock, risultando eclettico e mai banale, e riuscendo a non sfociare mai nell’onanismo strumentale, anzi, intrigando con gli intrecci di voci, fiati, ritmi. Dice Dan Fox: “Lavorare con Eve e Kelly ha ampliato il nostro senso di ciò che è musicalmente possibile con The God in Hackney. Un’abilità che abbiamo acquisito alla scuola d’arte è stata quella di rimanere aperti a qualcosa di inaspettato durante il processo di scrittura, piuttosto che cercare di controllarne ogni aspetto. Fare arte è più eccitante quando non si sa con precisione cosa succederà”. Ed è proprio l’inaspettato ad essere senza dubbio uno dei segreti di questo album intrigante. La splendida apertura “In The Face Of A New Science” è stata la mia scelta per rappresentare un lavoro estremamente appagante.

Dopo tre EP che hanno riscosso un certo favore da critica e pubblico, gli Holy Tongue sono arrivati, a cinque anni dalla formazione, a pubblicare il primo lavoro sulla lunga distanza intitolato Deliverance And Spiritual Warfare, Il progetto è nato dall’unione tra il produttore e musicista Al Wootton e la percussionista Valentina Magaletti, italiana residente da tempo a Londra che ha all’attivo molti progetti di notevole qualità come Vanishing Twin, Moin, V/Z. Per questo lavoro ai due si sono aggiunti Susumu Mukai al basso (già sodale della Magaletti nei Vanishing Twin), Steve Beresford al pianoforte preparato e Abraham Parker e David Wootton agli ottoni. Il loro personale tentativo di unire dub e jazz suonando con un’urgenza post-punk ha colpito clamorosamente nel segno, tra gorghi ritmici, influenze funk, e venature psichedeliche e misticheggianti. Un disco ricercato e visionario che raggiunge meritatamente la posizione #14 dove il dub viene rivestito a nuovo (ascoltate “Threshing Floor”) confermando Valentina Magaletti come una dei musicisti più preparati e ricercati degli ultimi anni. Nota dolente: il formato fisico è di difficilissima reperibilità.

Il gallese John Cale, noto ai più per essere stato membro fondatore dei The Velvet Underground, ha sviluppato negli anni una carriera solista che lo ha portato a sperimentare con una vasta gamma di stili musicali. Vera icona, artista a tutto tondo, mirabile suonatore di viola, produttore importante (Nico, Happy Mondays, Stooges, Patti Smith, Squeeze, Modern Lovers, Siouxsie & The Banshees), Cale a 81 anni suonati si è messo di nuovo in discussione, mostrandosi ascoltatore interessato del suono odierno e pubblicando ad inizio 2023 un nuovo album intitolato Mercy a sette anni dal precedente e a ben 11 anni dal suo ultimo album di musica originale. A mostrare l’interesse di Cale per la musica “contemporanea” ci sono, all’interno di Mercy, le collaborazioni con Laurel Halo, Weyes Blood, Avey Tare e Panda Bear degli Animal Collective e Fat White Family. La pubblicazione del disco ha subito ritardi importanti a causa della pandemia, ed è stato ispirato da eventi attuali come la presidenza di Donald Trump, la Brexit, il COVID-19, il cambiamento climatico, i diritti civili e l’estremismo di destra. Difficile districarsi in questa ora abbondante di musica, densa e scura, affascinante e vista con lo sguardo di un avanguardista navigato. Un grande ritorno che troviamo al #11. “Noise Of You”, con un andamento alla The Blue Nile, è il brano che ho scelto per rappresentare il disco.

Un uomo tormentato John Bence, un uomo che utilizza la musica come potente espressione emozionale e cinematografica, creando un mondo sonoro viscerale e spirituale. Compositore britannico cresciuto nella dinamica scena della musica elettronica underground di Bristol e diplomato al Royal Birmingham Conservatoire, John Bence ha esordito nel 2015 con Disquiet, un 12″ pubblicato dalla Other People di Nicholas Jaar. Le emozioni suscitate da Bence erano state talmente potenti da risuonare nella sede della Thrill Jockey, pronta a metterlo sotto contratto e a pubblicare nel 2020 un ennesimo mini album intitolato Love, dove il compositore si è concentrato sul suo vissuto ripercorrendo la difficile strada della dipendenza dall’alcolismo fino al completo (speriamo) recupero. Il suo minimalismo rigoroso, in equilibrio tra staticità e profondità emotiva, finalmente nel corso del 2023 si è potuto esprimere senza più gli stretti paletti di un mini album. Il nuovo Archangels infatti, uscito a fine febbraio, trova Bence, a due anni dalla sua riabilitazione, pronto a scaricare tutto il suo arsenale sonoro per evocare uno spazio spirituale e contemplativo di enorme intensità emotiva come nella “Metatron, Archangel of Kether” che ascoltate nel podcast. Una pratica compositiva edificata su note di pianoforte, ambientazioni minimaliste, arrangiamenti orchestrali, synth oscillanti, field recordings e canti gregoriani che in qualche modo si è intrecciata strettamente con quella spirituale, attraverso la quale il compositore britannico ha cercato di esprimere i suoi concetti religiosi e filosofici usando gli arcangeli come tramite verso il divino. Il risultato è un album chiaroscurale, conturbante, a tratti disturbante, da ascoltare in religioso silenzio per aumentare il suo profondo fascino inquieto. Un disco che mi ha talmente coinvolto da inserirlo al #9, meritatamente in Top 10.

Vienna, città bellissima, austera e rigorosa nella sua classicità. La capitale austriaca è la casa da quasi 25 anni dei Radian, trio formato da Martin Brandlmayr (batteria, elettronica), Martin Siewert (chitarra, elettronica) e John Norman (basso) che torna a far sentire la propria voce dopo sette anni di assenza. Il loro approccio ha marchiato a fuoco la scena europea tra elettronica e post-rock sin dalla fine degli anni ’90, grazie ad un suono spigoloso, cupo, definito nei minimi particolari, ricco di tensioni e silenzi che ha fatto scuola. Un approccio visionario e fantasioso, quello perseguito e realizzato dai tre, che giunge con questo nuovo Distorted Rooms ad un personale vertice compositivo. Il secondo album che vede la presenza di Siewert (e sesto in assoluto), è uno di quei dischi che va ascoltato prestando la massima attenzione perché dai solchi escono suoni spesso minimi, dal rumore dei plettri al sibilo latente di un amplificatore che i tre ristrutturano ed elaborano trasformandoli e manipolandoli a volte in modo discreto, spesso in modo più drastico. Il trio si conferma maestro nel manipolare la tensione dinamica, colpendo emotivamente pur giocando in maniera “fredda” con gli strumenti e le dinamiche dello studio di registrazione, come, ad esempio, posizionando i microfoni in maniera creativa e non convenzionale. Ascoltate il basso quasi funk trattenuto e rilasciato ad ondate di “C At The Gates”, capace di sostenere un brano di enorme ed inquieta tensione emotiva. Distorted Rooms ci consegna i Radian al massimo delle loro possibilità, un lavoro affascinante, elegante e futuristico, dove i tre, senza aver perso nemmeno un grammo di entusiasmo per la loro sperimentazione dopo quasi 30 anni di carriera, ci portano alla scoperta di nuovi universi sonori raggiungendo il meritatissimo #8 della mia playlist annuale.

Pochi artisti riescono ad attraversare tre decadi in maniera davvero importante reinventandosi ogni volta, mutando pelle e sconfiggendo il tempo. PJ Harvey è una di queste rare eccezioni, capace di convincere critica e pubblico ogni volta, album dopo album. Dall’esordio di Dry nel 1991 all’ultimo I Inside The Old Year Dying (che troviamo al #7) pubblicato a luglio 2023, l’artista di Bridport, nel Dorset, è stata capace di costruire un percorso netto, in crescendo. Sette anni dopo The Hope Six Demolition Project, album profondamente politico registrato alla Somerset House di Londra in varie sessioni aperte al pubblico, Polly Jean si è rimessa a nudo, con la sua voce in primo piano come non mai (come nella “Prayer At The Gate” che apre l’album) al servizio di arrangiamenti scarni e oscuri, in una sorta di folk “sporco” capace di incantare e convincere. Il disco è una sorta di trasposizione in musica, tra luci ed ombre, del suo secondo libro intitolato “Orlam”, scritto grazie all’aiuto del poeta scozzese Don Paterson, ed è stato parzialmente improvvisato insieme ai produttori Flood e John Parish. Secondo PJ il cuore del disco è “la ricerca dell’intensità del primo amore e ricerca di un significato”, definendo l’intero lavoro come “uno spazio di riposo, una consolazione, un conforto, un balsamo, che sembra opportuno per i tempi in cui ci troviamo”. Riferimenti letterari, luci ed ombre, ambiguità, tutto contribuisce a rendere questo album uno dei più importanti dell’anno appena trascorso, che abbiamo trovato non solo nella Top 10, ma spessissimo anche sul podio, di innumerevoli classifiche annuali. E per un’artista sulla breccia dell’onda da oltre 30 anni è una sorta di vero e proprio sigillo su una carriera straordinaria.

Che storia incredibile quella dei Pere Ubu. Nati a Cleveland in piena crisi economica, David Thomas e compagni presero il nome dalla pièce teatrale “Ubu Roi” dello scrittore francese Alfred Jarry e convertirono il gusto della satira, l’amore per il grottesco, l’anarchia e la sfrenata verbosità dell’opera in un post-punk che di fatto, con le sue nevrosi urbane ed industriali, andrà a creare di fatto la new wave. Chi meglio di un personaggio come David Thomas poteva portare in musica il Teatro dell’Assurdo di Jarry? Critico musicale e frontman della band proto-punk Rocket From The Tombs, amava nascondersi dietro al nome di Crocus Behemoth, prima di creare insieme al chitarrista degli stessi Tombs, Peter Laughner (morto prematuramente nel 1977 a soli 24 devastato da una pancreatite dovuta dall’abuso di alcool e stupefacenti), la sua nuova creatura. Nel 2019 The Last Goodbye avrebbe dovuto essere l’ultimo capitolo di una storia incredibile, ma Thomas è riuscito a sorprenderci ancora, facendo risorgere di nuovo il suo gruppo e pubblicando a fine maggio il diciannovesimo album della storica band intitolato Trouble On Big Beat Street. A distanza di così tanti anni dall’esordio, ascoltare i Pere Ubu è ancora un’esperienza appagante e viva. La formazione odierna comprende, oltre allo schizofrenico leader, i due Pale Boys Keith Molinè (chitarra) e Andy Diagram (tromba), oltre a Gagarin (synth ed elettronica), Alex Ward (chitarra e clarinetto), Michele Temple (basso e piano) e Jack Jones (theremin). Il suono? Esattamente come ve lo aspettereste: schizofrenico, destrutturato, intransigente, perfettamente conforme a quello con cui ci hanno deliziato da mezzo secolo e la “Love Is Like Gravity” inserita nel podcast lo dimostra ampiamente. Immortali. Nota a margine: il CD ha ben sette brani in più rispetto al vinile, non è roba da poco.

Dopo sei anni di silenzio e per suggellare i 25 anni di attività, ecco tornare i londinesi Alasdair MacLean (voce, chitarra, organo), James Hornsey (basso, piano) e Mark Keen (batterie e percussioni) uniti nella ragione sociale The Clientele. Ed è, diciamola tutta, un ritorno favoloso che non poteva far altro che portare il gruppo così in alto nella mia personale classifica. A sei anni di distanza da Music For The Age of Miracles è dunque tornato il pop da camera del trio londinese, che stavolta ci porta in un lungo e meraviglioso viaggio nella memoria, un percorso intimista, profondo e melodico intitolato I Am Not There Anymore. Mantenendo un’importante coerenza artistica, i londinesi proseguono il loro viaggio nel loro pop in bilico tra Love e Sarah Records, introducendo i battiti digitali del computer e altre suggestioni jazz e folk, che arricchiscono la tavolozza sonora andando a creare più di un’ora di assoluta magia. Una maturità pop che abbaglia e lascia sbalorditi man mano che si sfogliano le 19 tracce di cui è composto il lavoro, impreziosito talvolta da una ricca sezioni di archi e fiati. Difficile scegliere solo una carta dal mazzo, alla fine la scelta è caduta sul folk-pop celestiale di “Lady Grey”. Il disco, nella sua interezza, non ha colpito solo me, ma è entrato di diritto in moltissime classifiche di fine anno.

Saliamo di una posizione e andiamo a svelare il podio. Sei anni fa, le atmosfere malinconiche e rarefatte di un album intitolato Lilies aveva confermato Melanie De Biasio come una delle migliori e più ispirate interpreti contemporanee. Il dosaggio sapiente di pochi strumenti e la magia della sua voce avevano reso i suoi microcosmi perfetti sia musicalmente che liricamente. Non che l’italo-belga (madre belga e padre italiano) sia mai stata particolarmente prolifica, ma spesso e volentieri si è voluta prendere il suo tempo per catturare le proprie idee e trovare la giusta direzione sonora, a questo modus operandi si è aggiunta la pandemia che non ha certo accelerato le cose. La scintilla per la gestazione di un nuovo lavoro è stato l’invito a partecipare a Europalia, festival culturale di arti audiovisive il cui tema del 2021-22 è stato “TRAINS & TRACKS”, un approfondimento sull’impatto del treno sulla società. In particolare, alla De Biasio era stata richiesta un’installazione audio-video che rappresentasse la migrazione in treno degli italiani verso il Belgio e le sue miniere nel secondo dopoguerra. L’occasione per ripercorrere al contrario il viaggio intrapreso dai nonni paterni si è trasformata in una grande opportunità compositiva. Il silenzio della De Biasio si è fortunatamente interrotto a metà ottobre con la pubblicazione di un doppio album intitolato Il Viaggio, dove per la prima volta l’artista canta anche nella nostra lingua, un modo per rafforzare un legame ideale e affettivo con la sua terra di origine: “Sentivo che quello che dovevo esprimere in questo progetto doveva essere cantato in italiano, per avvicinarmi alle mie radici.”  Il treno del viaggio di Melanie è una sorta di vecchio convoglio locale che scorre lento catturando ogni suono, immaginazione e sensazione che passa attraverso il vetro. anche se non è facile in questi tempi inquieti e frenetici, richiede tempo e attenzione. L’italo-belga negli oltre 80 minuti de Il Viaggio si è reinventata di nuovo, allontanandosi dalla forma canzone classica, ma avvolgendo insieme jazz, folk e ambient in canzoni che coinvolgono e commuovono come nella “We Never Kneel To Pray” inserita nel podcast. Come dice la stessa Melanie De Biasio, siamo tutti dei nomadi in un viaggio solitario: “Spero che questo mio viaggio vi aiuti ad accompagnarvi nel vostro. Spero che vi porti altrove, in un luogo che non visitate spesso, ma che vi appartenga davvero”.

Chi segue i miei podcast sa benissimo che i Fire!, trio avant-jazz che vede dietro i tamburi Andreas Werliin, metà dei Wildbirds & Peacedrums, e gli stessi W&P, appaiono abbastanza regolarmente nelle mie scalette per il loro approccio in perfetto equilibrio tra jazz, psichedelia, attitudine garage, e primitivismo folk-blues spogliato da ogni orpello. Nel corso del 2013 i Fire! (Mats Gustafsson: sassofoni, Fender Rhodes e elettronica, Johan Berthling: basso e Andreas Werliin: batteria) sono riusciti a riunire decine di altri musicisti della scena improv-alt-jazz-rock svedese (tra cui la moglie di Werliin e metà dei W&P Mariam Wallentin) allargando l’ensemble e dando vita, sotto il nome di Fire! Orchestra, ad un baccanale orgiastico dove suggestioni di jazz astrale (con Sun Ra come nume tutelare ed esplicito riferimento), kraut-rock, psichedelia, improvvisazioni, accelerazioni soul riescono ad incastrarsi perfettamente. Nell’aprile 2023 hanno pubblicato un nuovo, incredibile lavoro a quattro anni dal precedente Arrival. Nelle quasi due ore di registrazione del nuovo album della Fire! Orchestra intitolato Echoes convivono, in maniera incredibile, jazz, rock, folk, musica elettronica, classica e contemporanea, con un uso di archi, fiati ed elettronica assolutamente sublime. Alla produzione del nuovo album della band di Mats Gustafson ha partecipato anche Jim O’Rourke, cui è stata data assoluta libertà in sede di missaggio. Nel podcast, a rappresentare un disco che occupa meritatamente la piazza d’onore della mia playlist annuale, potete ascoltare il gran finale di “ECHOES: I See Your Eye, Part 2”, una sorta di lungo e lento soul-jazz condotto con maestria dalla voce del sassofonista Joe McPhee, che si alterna alla voce all’interno del disco con David Sandström e con Mariam Wallentin, sodale sul palco e nella vita con il batterista Andreas Werliin. Il collettivo scandinavo (stavolta addirittura composto da 43 elementi!) si conferma per l’ennesima volta come assoluto punto di riferimento della scena musicale odierna.

Arriviamo al gran finale svelando la vetta della mia personalissima classifica del 2023. Quest’anno ho voluto premiare con la prima posizione un gruppo che sta rivitalizzando un genere “storico” come il folk cambiando in corsa le regole del gioco. L’anno appena finito ha visto il ritorno dei dublinesi Lankum con il loro quarto album False Lankum, atteso seguito di quel The Livelong Day che nel 2019 gli ha permesso di vincere il RTE Choice Music Prize (equivalente irlandese dei Grammy). Partendo da canzoni folk tradizionali, i Lankum (nome preso dal protagonista della scura folk ballad intitolata proprio “False Lankum” scritta da John Reilly) hanno impresso il loro marchio personale facendo leva su pesanti droni e distorsioni che conferiscono nuova intensità e bellezza a ogni brano. Con questo album il quartetto ha consolidato il suo distacco dal genere folk classico, creando una musica audace e contemporanea che nasce, come detto, da elementi tradizionali ma che suona decisamente nuova. False Lankum contiene anche due brani originali, “Netta Perseus” e “The Turn“, entrambi scritti da Daragh Lynch (voce, chitarra e piano). Il quarto disco dei Lankum (il terzo su Rough Trade), è stato pensato fin dall’inizio come un’opera completa, una progressione e un viaggio per l’ascoltatore. “Volevamo creare un maggiore contrasto nel disco, in modo che le parti leggere risultassero quasi spirituali e le parti scure fossero incredibilmente cupe, addirittura horror“, spiegano i Lankum.

Nelle 12 tracce dell’album, composte da 10 canzoni tradizionali e due originali, la band utilizza una nuova tavolozza per colorare il proprio suono in modo sempre più sperimentale, insieme al produttore di lunga data John ‘Spud’ Murphy. Solo dopo la registrazione la band si è resa conto che quasi tutte le canzoni dell’album, raccolte o scritte, avevano una sorta di riferimento al mare. Qualche forza sconosciuta li aveva attirati a quello, il più grande e prolifico raccoglitore di canzoni che sia mai esistito, che ha trasportato storie per centinaia di anni. “The New York Trader”, ad esempio, porta con sé storia, narrazione, mitologia e magia, e nessuno lo sa meglio del suo cantante, e fratello di Daragh, Ian Lynch (uilleann pipes, concertina, tin whistle, percussioni), studioso di musica irlandese da poco rientrato da un tour di conferenze negli Stati Uniti. Nonostante ciò, si libera da ciò che la canzone si aspetta (quasi letteralmente nella pausa drammatica a metà brano) prima di lanciarsi nuovamente in questa storia, affilata come un rasoio, cruda e sferragliante. Un disco che troviamo meritatamente in alto su molte classifiche annuali.

Un grazie speciale va, come sempre, a Franz Andreani per la sua passione, la gestione di questa banda di pazzi e per la splendida riorganizzazione del sito già attiva da qualche anno. A cambiare non è stata solo la versione grafica del sito, ma anche la “filosofia” della podradio, con le rubriche che vanno ad integrarsi nella programmazione regolare sotto l’hashtag #everydaypodcast. Sulla nostra pagina Facebook troverete quotidianamente ogni upload del sito e, ormai da tempo, è attivo anche lo splendido canale YouTube della Radio, una nuova formula senza interruzioni ne spot per ascoltare la vostra-nostra musica preferita. Iscrivetevi numerosi, vi aspettiamo!

Nel prossimo episodio troverete le prime novità targate 2024, alcuni dischi che, in qualche modo, non sono entrati nella Top 30 della mia personalissima classifica del 2023 e altre meraviglie del passato. Il tutto sarà, come sempre, sulle onde sonore della podradio più libera ed indipendente del pianeta: radiorock.to.

Intanto se volete potete sfruttare la parte riservata ai commenti qui sotto per darmi suggerimenti, criticare (perché no), o proporre nuove storie musicali. Mi farebbe estremamente piacere riuscire a coinvolgervi nella programmazione e nello sviluppo del mio sito web.

Per suggerimenti e proposte, scrivetemi senza problemi all’indirizzo e-mail stefano@stefanosantoni14.it.

Potete ascoltare o scaricare il podcast anche dal sito di Radio Rock The Original cliccando sulla barra qui sotto.

Buon Ascolto

01. THE GOD IN HACKNEY: In The Face Of A New Science  da  ‘The World in Air Quotes’  (2023 – Junior Aspirin)

02. HOLY TONGUE: Threshing Floor  da  ‘Deliverance And Spiritual Warfare’  (2023 – Amidah Records)

03. ANOHNI & THE JOHNSONS: Rest  da  ‘My Back Was A Bridge For You To Cross’ (2023 – Rough Trade)

04. REVEREND KRISTIN MICHAEL HAYTER: I Know His Blood Can Make Me Whole  da  ‘Saved!’  (2023 – Perpetual Flame Ministries)

05. JOHN CALE: Noise Of You  da ‘Mercy’  (2023 – Domino)

06. ROB MAZUREK – EXPLODING STAR ORCHESTRA: Shape Shifter  da  ‘Lightning Dreamers ’  (2023 – International Anthem)

07. JOHN BENCE: Metatron, Archangel of Kether  da  ‘Archangels’  (2023 – Thrill Jockey)

08. RADIAN: C At The Gates  da  ‘Distorted Rooms’  (2023 – Thrill Jockey)

09. PJ HARVEY: Prayer At The Gate  da  ‘I Inside The Old Year Dying’  (2023 – Partisan Records)

10. JAIMIE BRANCH: Aurora Rising / Borealis Dancing  da  ‘Fly or Die Fly or Die Fly or Die ((world war)) ’ (2023 – International Anthem)

11. PERE UBU: Love Is Like Gravity  da  ‘Trouble On Big Beat Street’  (2023 – Cherry Red)

12. THE CLIENTELE: Lady Grey  da  ‘I Am Not There Anymore’  (2023 – Merge Records)

13. MELANIE DE BIASIO: We Never Kneel To Pray da  ‘Il Viaggio’  (2023 – PIAS)

14. FIRE! ORCHESTRA: Echoes: I See Your Eye, Part 2  da  ‘Echoes’  (2023 – Rune Grammofon)

15. LANKUM: The New York Trader da  ‘False Lankum’  (2023 – Rough Trade)