Sounds & Grooves – Stagione 20 Episodio 18
Visioni Notturne

Il diciottesimo episodio di Sounds & Grooves è un viaggio tra folk visionario, jazz liquido e psichedelia espansa

🎙️ “Benvenuti a Sounds & Grooves, il podcast dove i dischi prendono vita, i suoni diventano storie e la musica alternativa si racconta senza filtri. Io sono Stefano Santoni: preparatevi a un viaggio tra rumore, melodie e visioni sonore.”

Il diciottesimo episodio stagionale attraversa paesaggi sonori in continua trasformazione: dalla trance matematica degli Horse Lords alla psichedelia cosmica dei Can, passando per il folk visionario di Van Morrison, il doom rituale degli OM, le derive ambient dei Seefeel e le memorie elettroniche dei Boards Of Canada. Un viaggio tra progressive, jazz nordico, elettronica, krautrock, folk e sperimentazione sonora, costruito come una lunga esperienza immersiva dove ogni brano dialoga con il successivo.

Il tutto, come sempre, sulle onde sonore della podradio più libera ed indipendente del pianeta: radiorock.to

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Prima di partire con questo viaggio in musica potete effettuare il download del podcast anche nella versione a 320 kb/s semplicemente cliccando sul banner qui sotto.

ATTO I — Geometrie ipnotiche e visioni elettriche

Horse Lords: la matematica della trance contemporanea

Il diciottesimo episodio di Sounds and Grooves si apre come una trasmissione captata da una frequenza parallela. Pochi episodi fa, in relazione all’hype abbastanza ingiustificato relativo agli Angine De Poitrine, avevo parlato di alcuni gruppi in grado di esprimere certe coordinate sonore in maniera più esaustiva, completa e creativa, partendo proprio da loro.  Il quartetto di Baltimora chiamato Horse Lords ha costruito negli anni un linguaggio unico, capace di fondere minimalismo, krautrock, microtonalità e poliritmie africane in una forma sonora ipnotica e meccanica. Loro suonano insieme dal 2010 e la loro struttura è quella (quasi) classica di un gruppo rock, ma le finalità sono totalmente diverse. Owen Gardner (chitarra), Max Eilbacher (basso ed elettronica), Sam Haberman (batteria) e Andrew Bernstein (sax e percussioni) agiscono come una sorta di malware capace di annidarsi nel cuore del rock, corromperlo e mutarlo in un’altra entità. Si potrebbe chiamare math-rock, ma non ci sono ne equazioni ne spigoli, ci sono spirali di suono che vengono dagli studi musicali dei singoli musicisti. Tutti e quattro i componenti del gruppo hanno studiato classica contemporanea, in particolare Gardner ha iniziato suonando il banjo ed è studioso di blues americano e folk africano della Mauritania, Eilbacher studia elettronica e suona il basso solo con gli Horse Lords, Bernstein ha studiato a lungo percussioni africane, mentre Haberman è l’elemento più prettamente rock e “selvaggio”. Non è facile descrivere il suono di questi quattro hackers del rock, perché quello che esce fuori dai loro solchi è di grande complessità, visto che coesistono complicate poliritmie, potenti soluzioni sperimentali, afrofuturismi suggestivi, e grooves minimalisti. Da pochissimi giorni è uscito il loro nuovo album che è stato presentato così: “Un emozionante passo avanti nel linguaggio musicale condiviso dalla band, Demand To Be Taken To Heaven Alive! mira a trasportare l’ascoltatore in un regno sonoro spirituale, estatico e utopico”. E anche se nelle cartelle stampa non manca mai la tendenza all’iperbole, stavolta c’è del vero perché il quartetto ha colpito di nuovo nel segno. Demand To Be Taken To Heaven Alive! è l’ennesimo disco straordinario dove per la prima volta si lasciano accompagnare da altri musicisti come Madison Greenstone al clarinetto basso, Weston Olencki al trombone e Nina Guo e Evelyn Saylor alle voci (naturalmente non usate in modo convenzionale). Una creatività che sembra non avere confini come dimostrano i primi due brani dell’album, visto che “Eureka 378-B”, è un arrangiamento di musica sacra per arpa del XIX secolo, guidato dalle voci di Guo e Saylor, la cui melodia si espande, ponendo le basi tonali per la seguente, stratosferica, “Brain Of The Firm”. Come affermano loro stessi, “cerchiamo di creare musica che sfidi lo status quo e offra all’ascoltatore un percorso verso la liberazione. Lo studio e l’esplorazione del suono e della musica hanno una dimensione spirituale ed estatica, e nutriamo una grande riverenza per il loro impatto sull’individuo e sul mondo”. Se avete bisogno di nuovi stimoli in musica e di un gruppo che suona come nessun altro, gli Horse Lords fanno assolutamente per voi.

Bonner Kramer & Thurston Moore: il dolore trasformato in suono

Dopo aver ridefinito il concetto di rock alternativo con i Sonic Youth, Thurston Moore ha trascorso gran parte della sua carriera solista esplorando territori sempre più astratti e sperimentali. Figura centrale dell’underground americano sin dagli anni ’80, Moore ha contribuito a portare rumore, improvvisazione e avanguardia dentro il linguaggio del rock contemporaneo. Mark Kramer conosciuto professionalmente semplicemente come Kramer e adesso come Bonner Kramer, è un musicista, compositore, produttore discografico e fondatore dell’etichetta discografica newyorkese Shimmy Disc. È stato membro a tempo pieno di band mai convenzionali come New York Gong, Shockabilly, e Bongwater, ha suonato in tour (di solito al basso) con band come Butthole Surfers, Ween, Half Japanese e The Fugs (nel tour di reunion del 1984) e, non contento, si è esibito regolarmente con John Zorn e altri musicisti improvvisatori della scena di New York negli anni ’80. Kramer è stato anche produttore di Daniel Johnston, Galaxie 500 e Low, solo per citare i più noti. La sua sensibilità ha trovato in Moore un interlocutore ideale per realizzare un’opera che rinuncia a qualsiasi forma di spettacolarizzazione del dolore per concentrarsi invece sulla sua dimensione più intima e contemplativa. They Came Like Swallows (Seven Requiems For The Children Of Gaza), è un album pubblicato in risposta alla tragedia umanitaria che ha colpito Gaza ed è esplicitamente dedicato alla memoria dei bambini uccisi durante il conflitto. Il disco si presenta come una meditazione sonora sul lutto, sull’assenza e sull’impossibilità di trovare parole adeguate di fronte alla sofferenza. Per questo è esclusivamente strumentale, una psichedelia densa e scura che mira ad una pace che mai come adesso sembra davvero lontana. L’unico brano cantato è la cover di “Insight”, uno dei brani meno celebrati ma più profondi del repertorio dei Joy Division. Originariamente pubblicata nel 1979 all’interno di Unknown Pleasures, la canzone rappresentava già allora una riflessione intensa sull’alienazione, sulla perdita e sulla ricerca di una qualche forma di significato nel caos dell’esistenza. Le voci di Kramer e Moore la rendono davvero intensa e commovente, utilizzando il materiale dei Joy Division come punto di partenza per una riflessione nuova e profondamente contemporanea. Una parte dei proventi di questo album sarà devoluta all’organizzazione umanitaria no profit World Central Kitchen.

“Abbiamo concordato, senza bisogno di parole, di offrire la nostra musica come forma di attivismo sonoro e come energia benefica. Questo album è il nostro contributo, come duo, alla dignità umana; è la nostra musica dell’anima per un pianeta che assomigli, anche solo vagamente, a un luogo di pace”. (Thurston Moore)

Van Morrison e il richiamo delle origini: Veedon Fleece, il capolavoro nascosto

Restiamo negli anni ’70 con un artista straordinario che da un po’ di tempo non appariva nei podcast. Van Morrison, dopo aver abbandonato i Them e dopo il deludente album d’esordio, aveva finalmente ottenuto il successo che meritava a fine anni ’60 con il monumentale jazz-folk acustico di libero impatto espressivo di cui era permeato Astral Weeks. Due anni dopo l’artista nordirlandese si trovava ancora in un tale stato di grazia artistica da decidere di non fotocopiare l’album precedente, ma di comporre brani dall’atmosfera più rilassata innestandogli un’anima soul che troveremo spesso nella sua discografia. Il risultato si intitolava Moondance, un album diverso ma egualmente straordinario inciso da un’artista al culmine della sua ispirazione. Per questo podcast ho voluto andare un po’ più avanti nel tempo, quando dopo la pubblicazione di un doppio che immortalava anche la sua istrionica bravura sul palco, Van The Man ha dovuto affrontare un momento di distacco dalla musica coinciso con una crisi artistica dovuta dal minore successo degli album pubblicati dopo Moondance e il divorzio dalla modella Janet Rigsbee dopo 7 anni di matrimonio. Veedon Fleece, pubblicato nell’ottobre del 1974, è rimasto a lungo in ombra rispetto a capolavori universalmente celebrati come i due migliori, ma oggi viene considerato da molti appassionati e critici una delle opere più profonde e misteriose dell’intera carriera del musicista nordirlandese, una sorta di capolavoro segreto che continua a rivelare nuovi significati a ogni ascolto. La realizzazione dell’album era partita dal suo ritorno in Irlanda dopo molti anni di assenza a fine 1973 insieme alla sua nuova compagna Carol Guida. Le tre settimane trascorse nel visitare la costa sud-ovest dell’isola verde aveva dato nuova ispirazione a Morrison, pronto, una volta tornato negli USA, a prendere nuovi musicisti e una parte della sua appena sciolta The Caledonia Soul Orchestra per fargli incidere le canzoni composte in vacanza. Le tracce del disco sembrano emergere lentamente da una nebbia di ricordi, immagini e riferimenti poetici. Folk irlandese, jazz, soul e ballate acustiche convivono in un’atmosfera sospesa, quasi autunnale. Morrison canta con un’intensità trattenuta, evitando qualsiasi forma di spettacolarità. Tutto appare avvolto da una luce soffusa e crepuscolare, come se il disco fosse stato registrato in uno spazio lontano dal mondo. Un folk psichedelico venato di jazz, che sembra contemporaneamente inquieto e rassicurante, malinconico ma mai triste. In realtà la “Country Fair” collocata in chiusura di album e inserita in scaletta era stata originariamente concepita durante le sessioni del precedente Hard Nose The Highway e soltanto in seguito trovò la sua collocazione definitiva all’interno di Veedon Fleece. Ma alla resa dei conti la scelta si è rivelata assolutamente perfetta, perché la canzone possiede proprio quella qualità rasserenante che sembra riassumere lo spirito dell’intero lavoro. Una chiusura discreta e poetica per uno dei lavori più sottovalutati e affascinanti della carriera di Van Morrison, artista che continua a graffiare anche ai giorni nostri.

ATTO II — Spiritualità, memoria e dissoluzione

BIG|BRAVE, il peso del dolore e la forza della speranza: In Grief Or In Hope

Se solo recentemente mi sono riavvicinato a certe sonorità di musica che potremmo definire metal, il merito, tra gli altri, è dei BIG|BRAVE, trio canadese composto da Robin Wattie (chitarra e voce), Mathieu Ball (chitarra) e Tasy Hudson (batteria). Loro si collocano in quel nebuloso spazio tra il metal e la sperimentazione, alternando una schiacciante e drammatica pesantezza con una leggerezza eterea e meditativa, in una modalità che pochi dei loro colleghi riescono a percorrere con successo. Dopo aver sperimentato in ambito dark folk insieme ai compagni di etichetta The Body, lo scorso anno i tre erano tornati a far sentire le loro sonorità ossessive, pesanti e distorte con due album straordinari come Nature Morte e A Chaos Of Flowers che avevo posizionato sul podio della mia personale Playlist 2024, con cui pensavo che avessero raggiunto l’apice del loro percorso e che aveva raggiunto la Top 30 della mia classifica. Dopo un album interlocutorio come OST dello scorso anno, il gruppo di Montreal è pronto a pubblicare il suo decimo album, intitolato in grief or in hope, il 12 giugno 2026 definito come “una visione creativa del suono elettroacustico e della narrazione emotiva, un’infinita ricchezza di distorsioni travolgenti e bellezza devastante”. Il nuovo album segna una svolta per i BIG|BRAVE verso composizioni più dense e orientate alla chitarra. Con il bassista Liam Andrews (MY DISCO, Aicher), da tempo in tour con la band, che si unisce per la prima volta in studio alla chitarrista/cantante Robin Wattie e al chitarrista Mathieu Ball, i brani sono sapientemente stratificati con un ricco intreccio di armoniche e complessità tonali. Ogni brano è un microcosmo di distorsioni in netto contrasto con passaggi delicati della voce della Wattie. Le progressioni istintive del trio sono rese più vivide dalla registrazione dal vivo, che sfrutta il suono imponente e caratteristico delle loro esibizioni. All’interno di loop dalla trama massimalista e voci elaborate, i brani utilizzano l’estetica della musica drone, elettronica e heavy su una base di forma pop. La Wattie ha scritto: “Volevo esplorare frasi musicali accattivanti e melodiche intrecciate all’intensità della strumentazione e ai cambiamenti di accordi monotoni. Tutto ciò su cui riuscivo a riflettere era il dolore e la speranza; la morte e la vita; causa ed effetto; esperienze condivise dell’essere umano”. Con la “An Uttering Of Antipathy” inserita in scaletta, i BIG|BRAVE dimostrano ancora una volta la loro capacità di fondere drone, post-rock e noise in un’unica esperienza sonora immersiva. Il brano si sviluppa attraverso lunghi strati di chitarre riverberate e batterie ipnotiche, mentre la voce di fluttua tra fragilità e potenza, conferendo una dimensione emotiva intensa alla struttura monumentale del pezzo. Il brano riflette sull’incapacità di comprendersi reciprocamente, traducendo concetti emotivi complessi in architetture sonore minimaliste ma dense. L’ascolto è un esercizio di attenzione e pazienza: ogni microcambiamento nel tessuto musicale rivela dettagli nascosti, rivelando la profondità emotiva della band, ormai maestra nella capacità di creare musica che unisce intensità emotiva e sofisticazione sonora. Anche senza la batteria di Tasy Hudson (che non mi è dato di sapere se è stata definitivamente accantonata), il gruppo con la sua anima tanto intima e sofferta quanto potente e apparentemente monolitica, è pronto ad intraprendere un nuovo percorso di enorme intensità emotiva.

Alvarius B. : con Malarial Dream Alan Bishop torna a evocare i fantasmi dei Sun City Girls

Alan Bishop è un contrabbassista, chitarrista e sassofonista americano, grande appassionato di tradizioni mediorientali e fondatore di una meravigliosa ed indimenticabile band chiamata Sun City Girls. La morte del percussionista Charles Gocher nel 2007 ha segnato la fine definitiva dei Sun City Girls, ma non ha interrotto la creatività di Bishop. Trasferitosi al Cairo, dove vive da molti anni, l’artista ha continuato a sviluppare il mondo di Alvarius B., progetto iniziato negli anni ’90, intrecciando la propria attività con quella dei The Invisible Hands, Dwarfs of East Agouza, e dell’etichetta Sublime Frequencies, fondata insieme a Hisham Mayet e dedicata alla riscoperta di musiche provenienti dall’Asia, dal Medio Oriente e dall’Africa. L’esperienza egiziana ha lasciato un segno evidente nel suo repertorio, nel quale melodie occidentali e suggestioni orientali si fondono in maniera naturale. Soprattutto dei Dwarfs ci siamo occupati molte volte su queste pagine, progetto estremamente interessante nato nel 2015 insieme all’egiziano Maurice Louca ed al canadese Sam Shalabi che da oltre un decennio riesce a contaminare in maniera straordinariamente creativa gli strumenti e i suoni della tradizione araba con l’elettronica europea e l’improvvisazione. Qualche anno fa avevamo già inserito in scaletta il monumentale With A Beaker On The Burner And An Otter In The Oven, triplo album che testimoniava l’ampiezza di una scrittura che alterna momenti di dolcezza quasi classica a improvvise deviazioni surreali. Dopo quasi un decennio da quel disco straordinario, Bishop ha riportato in vita il suo alter ego Alvarius B. con Malarial Dream, pubblicato dall’etichetta Abduction. Registrato al Cairo, dove il musicista statunitense vive da oltre quindici anni, il nuovo lavoro rappresenta uno dei capitoli più affascinanti e accessibili della sua lunga avventura solista, recuperando lo spirito degli ultimi Sun City Girls e filtrandolo attraverso le esperienze maturate nel mondo arabo e nelle numerose collaborazioni sviluppate negli anni. Composto da nove brani e costruito prevalentemente su materiale originale, il nuovo album si allontana dalle forme cantautorali più scarne dei lavori recenti per assumere i contorni di un vero disco d’ensemble. Attorno a Bishop ruota infatti una comunità di musicisti provenienti da altri progetti come The Invisible Hands, oltre ai suoi sodali dei Dwarfs of East Agouza e figure di primo piano della scena sperimentale locale e internazionale come Cherif El Masri (chitarra), Eyvind Kang (viola) e Asher Gamedze (batteria). Il risultato è un mosaico sonoro in cui psichedelia, folk, blues desertico e suggestioni mediorientali convivono con assoluta naturalezza. La splendida psichedelica “The Multiple Hallucinations Of An Assassin – Part 2” inserita in scaletta fa entrare il disco nel suo territorio più caratteristico, fatto di percussioni ipnotiche, strumenti tradizionali e melodie che sembrano sospese tra sogno e rituale. Alan Bishop ha dimostrato ancora una volta che Alvarius B. è molto più di un semplice progetto parallelo, ma una sorta di suo laboratorio personale, uno spazio libero nel quale convergono decenni di esplorazioni sonore, memorie psichedeliche e influenze raccolte lungo un percorso che continua a sfuggire a ogni classificazione. In un panorama musicale spesso troppo prevedibile, la sua capacità di sorprendere rimane un privilegio raro.

ATTO III — Psichedelia liquida e memorie elettroniche

Seefeel, il ritorno dopo quindici anni con Sol.Hz

Chiudiamo il podcast con due gruppi molto amati che sono tornati a deliziare i nostri padiglioni auricolari dopo parecchi anni di silenzio. All’inizio degli anni ’90 il londinese Mark Clifford entusiasta ricercatore musicale, ha creato i Seefeel insieme a Daren Seymour (basso), Justin Fletcher (batteria ed elettronica), e Sarah Peacock (voce e chitarra). Il gruppo, nonostante avesse le sembianze di un tipico quartetto rock, amava giocare con i suoni trasformandosi da shoegaze ad ambient, da noise a dub, tra Aphex Twin e i My Bloody Valentine. Clifford mandò un demo fu inviato a tre case discografiche e allo storico John Peel della BBC Radio 1 che si dimostrò entusiasta e li invitò per una delle sue memorabili sessions. Poco dopo, una delle etichette a cui era stato inviato il demo, la Too Pure, contattò la band mettendoli sotto contratto. L’album di esordio del gruppo si intitolava Quique, ed è stato uno degli “Album dell’anno” del Melody Maker grazie ad una recensione proprio di Simon Reynolds che ne apprezzava il movimento ondivago tra shoegaze ed elettronica. Successivamente firmarono per la Warp Records diventando i primi artisti della storica etichetta britannica a fare uso di chitarre. La loro estetica ambient-motorik noise-pop è stata aggiornata ai giorni nostri con un mini EP intitolato Everything Squared pubblicato nel 2024 dopo ben 14 anni di silenzio, confermando i due superstiti Mark Clifford e Sarah Peacock come maestri nel costruire atmosfere impareggiabili. Il primo maggio sono tornati con il loro primo album completo in quindici anni, Sol.Hz, una raccolta di melodie frammentate e tessiture vaporose, caratterizzata da un’atmosfera suggestiva, nebulosa e estatica. In un certo senso, questo può essere considerato l’album “dub” dei Seefeel: gli arrangiamenti apparentemente eteree di Mark Clifford sono in qualche modo vicini all’ambient a basso volume, ma quando vengono riprodotti da un impianto audio adeguato, il basso cavernoso e l’uso sapiente degli effetti sono più evidenti, confondendo la percezione del tempo e della posizione audio dell’ascoltatore. Come sempre con i Seefeel, però, non si spinge mai troppo lontano nel freddo sperimentalismo o nella texture sintetica, le voci pesantemente manipolate di Sarah Peacock conferiscono ai brani un elemento umano vitale, con loop di chitarra elaborati che permettono a frammenti di melodia di fluttuare attraverso le tracce di delay. Dal punto di vista stilistico, si ispira al mini-album Squared Roots del 2024, nel senso che il materiale è stato analizzato minuziosamente e rielaborato fino a raggiungere la perfetta iterazione, anche se forse “forma” non è il termine più appropriato per un gruppo che sfuma i confini tra solidità e spazio in modo così radicale. La frase spesso ripresa dal Manifesto del Partito Comunista, “tutto ciò che è solido si dissolve nell’aria”, potrebbe essere utilizzata come sintesi per descrivere l’esperienza di ascoltare un disco dei Seefeel. Il titolo dell’album Sol.Hz può essere tradotto letteralmente come sole più elettricità, anche se l’interpretazione esatta è ambigua e lasciata aperta al dibattito, proprio come la frase spesso citata di Marx. “Falling First”, penultima traccia dell’album è forse una delle composizioni più luminose realizzate dal duo negli ultimi anni, perfetta per traghettare il podcast verso la conclusione. Qui i ritmi sembrano galleggiare sotto la superficie, mentre le stratificazioni elettroniche si sviluppano lentamente fino a creare una sensazione di sospensione quasi estatica. La voce di Sarah Peacock assume sfumature eteree e delicate, trasformandosi in un richiamo distante che attraversa il paesaggio sonoro senza mai spezzarne l’equilibrio. È un brano che riesce a evocare contemporaneamente ambient house, dub e shoegaze, mantenendo però quell’identità inafferrabile che ha sempre reso i Seefeel un’entità impossibile da classificare.

Boards Of Canada: il ritorno dall’ombra con Inferno

Chiudiamo il podcast con le ambientazioni suggestive di uno tra i nomi più enigmatici e influenti dell’elettronica contemporanea. I Boards Of Canada hanno costruito una carriera fatta di ossessione per texture, nostalgia e paesaggi sonori che sfuggono al tempo. Con la loro estetica unica, che mescola campionamenti vintage, synth analogici e melodie sospese, il duo formato dai fratelli Mike Sandison (Michael Peter Sandison) e Marcus Eoin (Marcus Eoin Sandison) riesce da sempre a creare un senso di familiarità straniante, come se ogni traccia fosse un ricordo di un futuro mai vissuto. Per oltre tredici anni il loro silenzio è stato alimentato da una mitologia costruita su indizi, apparizioni sporadiche e una quasi totale assenza dalla scena pubblica. I fratelli scozzesi che dalla fine degli anni ’90 hanno ridefinito il concetto di musica elettronica evocativa, sono diventati nel tempo qualcosa di più di un semplice duo: una presenza fantasma capace di influenzare ambient, IDM, hip hop e persino il cinema attraverso un linguaggio sonoro fatto di memorie distorte, sintetizzatori analogici e misteriose registrazioni provenienti da un passato immaginario. Dopo Tomorrow’s Harvest, pubblicato nel 2013, ogni indiscrezione sul loro ritorno era diventata oggetto di culto. La lunga attesa si è finalmente conclusa con Inferno, quinto album in studio e una delle uscite più attese degli ultimi anni. L’annuncio del disco è stato preceduto da una campagna promozionale in perfetto stile Boards Of Canada. Vecchie videocassette VHS recapitate ai fan, manifesti enigmatici comparsi in diverse città del mondo e brevi frammenti audio hanno riacceso una comunità che non aveva mai smesso di cercare significati nascosti nella loro musica. Inferno si sviluppa lungo diciotto tracce e quasi settanta minuti di durata, espandendo ulteriormente il vocabolario sonoro del duo senza rinunciare a quelle caratteristiche che lo hanno reso inconfondibile. Le atmosfere crepuscolari del disco precedente vengono qui arricchite da una maggiore presenza di strumenti suonati, da campionamenti vocali che intrecciano scienza e spiritualità e da una costruzione narrativa che sembra suggerire una lenta discesa attraverso paesaggi interiori e visioni metafisiche. C’è tutto un universo di riferimenti musicali, spirituali, esoterici, tra chiaroscuri immaginifici e scorciatoie verso luoghi sospesi, dove memoria e immaginazione diventano indistinguibili. La “You Retreat In Time And Space” che chiude il podcast è il penultimo brano del disco e autentico epilogo emotivo prima della breve chiusura affidata a “I Saw Through Platonia”, brano che si sviluppa lentamente, attraverso armonie sfocate e pulsazioni appena accennate che evocano una sensazione di dolce smarrimento. I sintetizzatori sembrano dissolversi nell’aria mentre frammenti melodici emergono e scompaiono come immagini sbiadite ritrovate in vecchie pellicole domestiche. Inferno, nonostante alcuni commenti negativi francamente di difficile comprensione, conferma il duo scozzese come veri fuoriclasse del genere, capaci, con la loro inventiva, di creare musica che sembra provenire da un tempo indefinito e di consolidare il loro culto.

Terminato l’ascolto di questo diciottesimo episodio di Sounds and Grooves, rimane la sensazione di aver attraversato territori lontanissimi tra loro eppure legati da una sottile coerenza emotiva. Dalle architetture ipnotiche degli Horse Lords alle meditazioni cosmiche degli OM, passando per la delicatezza pastorale dei Caravan, il misticismo di Van Morrison, le inquietudini contemporanee di Ky e l’impressionante intensità dei BIG|BRAVE, ogni brano ha contribuito a costruire un percorso che ha continuamente oscillato tra memoria, trascendenza e ricerca sonora.

Quando le ultime note dei Boards Of Canada si dissolvono lentamente nello spazio, ciò che rimane non è soltanto il ricordo di una playlist particolarmente riuscita, ma la sensazione di aver condiviso un viaggio. Un percorso attraverso folk, progressive, jazz, doom, elettronica e psichedelia che, come accade con la musica migliore, sembra continuare a risuonare anche dopo che il silenzio è tornato a occupare la stanza. E forse è proprio questo il piccolo miracolo di Sounds and Grooves: trasformare una sequenza di canzoni in una geografia emotiva nella quale perdersi, ritrovarsi e, per un’ora abbondante, dimenticare il rumore del mondo.

Ma il viaggio è tutt’altro che concluso. Nel prossimo episodio di Sounds and Grooves, il diciannovesimo, ci attendono nuove deviazioni tra post-hardcore, dream pop, folk crepuscolare e pop d’autore, con protagonisti come Unwound, Thin White Rope, Mojave 3, Dexys Midnight Runners, The Mothmen, Harvey Williams, Vic Godard e Gigi Masin.

Ancora una volta, la bussola punterà verso territori inattesi, tra classici nascosti e nuove meraviglie da scoprire.

Il tutto sarà, come sempre, sulle onde sonore della podradio più libera ed indipendente del pianeta: radiorock.to.

Potete sfruttare la parte riservata ai commenti qui sotto per darmi suggerimenti, criticare (perché no), o proporre nuove storie musicali. Mi farebbe estremamente piacere riuscire a coinvolgervi nella programmazione e nello sviluppo del mio sito web.

Per suggerimenti e proposte, scrivetemi all’indirizzo e-mail stefano@stefanosantoni14.it.

Potete ascoltare o scaricare il podcast anche dal sito di Radio Rock The Original cliccando sulla barra qui sotto.

Buon Ascolto

1. HORSE LORDS: Eureka 378-B / Brain Of The Firm  da  ‘Demand to Be Taken to Heaven Alive!’  (2026 – RVNG Intl.)

2. BONNER KRAMER & THURSTON MOORE: Insight  da  ‘They Came Like Swallows (Seven Requiems For The Children Of Gaza)’  (2026 – Silver Current Records)

3. LITTLE BARRIE: Lugging’ Hurt   da  ‘Gravity Freeze’  (2026 – Easy Eye Sound)

4. CARAVAN: In The Land Of Grey And Pink   da  ‘In The Land Of Grey And Pink’  (1971 – Deram)

5. VAN MORRISON: Country Fair  da  ‘Veedon Fleece’  (1974 – Warner Bros. Records)

6. PAUL McCARTNEY: First Star Of The Night  da  ‘The Boys Of Dungeon Lane’  (2026 – Capitol Records)

7. KY: The Dancer  da  ‘Power Is The Pharmacy’  (2023 – Constellation)

8. BIG|BRAVE: An Uttering Of Antipathy  da  ‘In Grief Or In Hope’  (2026 – Thrill Jockey)

9. OM: State Of Non-Return  da  ‘Advaitic Songs’  (2012 – Drag City)

10. ALVARIUS B.: The Multiple Hallucinations of an Assassin – Part 2  da  ‘Malarian Dream’  (2026 – Abduction)

11. CAN: Paperhouse  da  ‘Tago Mago’  (1971 – United Artists Records)

12. MARIAM WALLENTIN & VESTNORSK JAZZENSEMBLE: Basel da  ‘Spring Flood’  (2026 – Hubro)

13. SEEFEEL: Falling First da  ‘Sol.Hz’  (2026 – Warp Records)

14. BOARDS OF CANADA: You Retreat In Time And Space da  ‘Inferno’  (2026 – Warp Records)