Sounds & Grooves – Stagione 20 Episodio 17
Costellazioni Alternative

Il diciassettesimo episodio stagionale di Sounds & Grooves tiene insieme nuove uscite del 2026, classici dell’alternative rock, folk obliquo, psichedelia rumorista e derive post-punk

🎙️ “Benvenuti a Sounds & Grooves, il podcast dove i dischi prendono vita, i suoni diventano storie e la musica alternativa si racconta senza filtri. Io sono Stefano Santoni: preparatevi a un viaggio tra rumore, melodie e visioni sonore.”

Da The Heads a Bim Sherman, passando per Felt, R.E.M., Kneecap e Broken Social Scene: il diciassettesimo episodio di Sounds and Grooves attraversa quarant’anni di musica alternativa tra rumore cosmico, post-punk emotivo, folk rituale e canzoni che continuano a reinventare il presente.

Il tutto, come sempre, sulle onde sonore della podradio più libera ed indipendente del pianeta: radiorock.to

Download, listen, enjoy!!!

Prima di partire con questo viaggio in musica potete effettuare il download del podcast anche nella versione a 320 kb/s semplicemente cliccando sul banner qui sotto.

ATTO I – Visioni cosmiche e nuove derive

The Heads: Psichedelia senza confini

Iniziamo il podcast con un patrimonio importante della psichedelia inglese fin dagli anni ’90 come The Heads. I membri fondatori Simon Price (Kandodo), H O Morgan, Wayne Maskell e Dave Spencer, che verrà presto sostituito fa Paul Allen (Anthroprophh), iniziarono a suonare in un garage di Bristol, creando un suono intenso e distorto che si distaccava dalle tendenze britpop dell’epoca. Il loro stile fonde jam psichedeliche dilatate, fuzz pesante e un approccio “DIY” che li ha resi pionieri dell’estetica underground psichedelica britannica. Dopo alcuni singoli indipendenti, il debutto Relaxing With… (1996) ha iniziato a consolidare la loro reputazione nella scena heavy-psych. Il loro suono visionario, pur rimanendo ai margini del successo commerciale, ha esercitato una forte influenza su band psych moderne come White Hills e Gnod. La città di Bristol, già laboratorio creativo per realtà come Massive Attack e Portishead, rappresentò per i The Heads un ambiente perfetto in cui fondere influenze molto diverse. La band guardava contemporaneamente al krautrock tedesco dei Can e dei Neu!, allo space rock degli Hawkwind, alla psichedelia abrasiva dei Loop e degli Spacemen 3, ma anche al noise più estremo e al free rock. Fin dagli esordi il gruppo si distinse per un approccio quasi fisico al suono: lunghe jam elettriche, muri di feedback, groove ossessivi e strutture spesso prive di una forma tradizionale. Pur rimanendo sempre lontani dai riflettori mainstream, la band di Bristol ha costruito una discografia monumentale che dialoga idealmente con pace rock, krautrock, noise e improvvisazione libera, spesso sviluppata attraverso lunghissime jam ipnotiche. Il recente yourprettyplaceisgoingtohell continua questa tradizione visionaria attraverso un flusso sonoro denso e abrasivo che sembra non avere né inizio né fine. Il disco sembra voler esasperare ulteriormente la componente cosmica e allucinatoria del loro linguaggio, creando un flusso sonoro che oscilla continuamente tra trance motorik e caos controllato. “On” è uno dei brani più corti del programma, dominato dalla torrenziale “ it’s about time….and space” e mette subito in chiaro le intenzioni del podcast, con un suono potente che sembra espandersi continuamente senza confini.

Ulrika Spacek – Il labirinto sonoro di Expo

Continuiamo a parlare di album appena pubblicati con una band formata a Reading dallo scioglimento dei Tripwires. Gli Ulrika Spacek si sono formati nel 2014 grazie all’incontro tra il cantante-chitarrista Rhys Edwards, il chitarrista Rhys Jenkins, il tastierista Joseph Stone, il bassista Syd Kemp e il batterista Callum Brown, costruendo rapidamente un’identità fortemente riconoscibile fatta di tensione atmosferica, destrutturazione melodica e continua ricerca sonora. Fortunatamente il quintetto ha sempre cercato di evitare qualsiasi sovraesposizione, pubblicando solamente quattro lavori in una decina d’anni di attività. Pur pescando da diverse soluzioni sonore (new wave, psichedelia, suggestioni kraut, shoegaze), il quintetto ha sempre brillato per originalità, riuscendo a trasformare influenze molto riconoscibili in qualcosa di profondamente personale. Un approccio che cerca di smussare gli angoli opposti pop e sperimentazione, costruendo allo stesso tempo una forte reputazione live grazie a concerti intensi e spesso imprevedibili. Il gruppo è tornato da poco sugli scaffali dei negozi di dischi con un nuovo album intitolato semplicemente Expo, dove sembrano spingersi ancora più avanti nella loro ricerca, lavorando senza sosta sull’idea di costruzione e demolizione sonora, creando strutture che sembrano emergere lentamente per poi collassare improvvisamente. Il brano inserito nel podcast, “Build A Box Then Break It” visualizza proprio questo approccio compositivo, che predilige l’accumulo di strati di chitarre, rumori e variazioni armoniche che modificano continuamente la percezione dello spazio sonoro. Paesaggi apparentemente instabili che improvvisamente si aprono a ritornelli quasi pop, arrangiamenti sofisticati ma immediati, un utilizzo intelligente e mai invasivo dell’elettronica, Expo è l’ennesima dimostrazione del grande talento di questo quintetto inglese, bravissimi.

My Precious Bunny: fragilità digitale e surrealismo emotivo

La vocazione indie pop scorre sempre molto potente nel DNA della famiglia Wolter. I fratelli Jack e Lily, sotto il nome di Penelope Isles, avevano pubblicato a fine 2021 il loro secondo album Which Way To Happy, registrato da un nome importante come Dave Fridmann (Flaming Lips, MGMT). Il disco vedeva i due fratelli originari dell’Isola di Man ma residenti a Brighton alle prese con un appiccicoso miscuglio di dream-pop, ondate psichedeliche e techno-wave, un suono indie che prendeva qualcosa da band come Grizzly Bear ma con un’attitudine frizzante e stralunata. Quando Jack si è impegnato in un altro progetto, sotto lo pseudonimo di Cubzoa, per Lily è stato il momento perfetto per riprendere alcune canzoni scritte durante il lockdown, quando forzatamente aveva vissuto a casa dei suoi genitori a Penzance, in Cornovaglia, senza nulla da fare se non registrare demo e andare a fare surf. Fresca di una rottura, si era ritrovata immersa in un peso enorme fatto di riflessione, gelosia, cuore spezzato, ricordi, confusione, insicurezza e bassa autostima, che veniva alleviato registrando demo nella sua camera da letto. Entrata in sala di registrazione con l’aiuto del suo carissimo amico e produttore Allister Kellaway, si è ribattezzata come My Precious Bunny, il nome con cui la madre la chiamava da piccola. L’album, appena uscito, si intitola A Moment In My Eyes, e abbandona la parte più elettronica del precedente progetto per spingere sull’acceleratore del pop più riflessivo e profondo acquistando profondità con l’aggiunta qua e la di arrangiamenti di archi e fiati. “KookieCannibal” suggerisce già dal titolo una collisione tra immaginario infantile e tensione disturbante, e la voce di Lily quasi sussurrata, viene circondata da elementi sonori dissonanti, piccoli rumori elettronici e improvvise aperture melodiche che sembrano provenire dal miglior dream-pop. Come dice la stessa Lily nel press kit: “È intima e cinematografica allo stesso tempo: musica per conversazioni notturne a cuore aperto e lunghi viaggi in macchina verso nessun luogo in particolare, con ogni nota carica di nostalgia e movimento.”

ATTO II — Indie rock, romanticismo e tensione emotiva

Keene Brothers: l’incontro perfetto tra Robert Pollard e Tommy Keene

Andiamo avanti nel podcast parlando di un progetto breve ma estremamente significativo nella storia del rock indipendente americano. Dietro il nome di Keene Brothers si nascondeva infatti l’incontro tra due figure fondamentali dell’underground statunitense: Robert Pollard, mente creativa dei Guided By Voices, e Tommy Keene, uno dei più grandi autori power pop della sua generazione. Per comprendere davvero il loro unico lavoro, Blues And Boogie Shoes, bisogna partire dalla storia dei due protagonisti. Robert Pollard è stato uno degli artisti più prolifici e influenti dell’indie rock americano. Con i Guided By Voices ha costruito una discografia immensa fondata su registrazioni lo-fi, melodie irresistibili e una scrittura capace di fondere surrealismo, rock classico e cultura pop americana, incarnando da sempre l’idea romantica dell’artista indipendente totalmente libero da regole commerciali. Tommy Keene, invece, rappresentava una figura più appartata ma altrettanto importante. Fin dagli anni Ottanta aveva sviluppato uno stile personale che univa power pop, jangle rock e malinconia melodica. Pur non raggiungendo mai un grande successo commerciale, Keene era considerato da moltissimi musicisti una sorta di autore di culto, capace di scrivere canzoni perfette con apparente semplicità. Quando i due decisero di collaborare nel progetto Keene Brothers, il risultato fu sorprendentemente naturale. Blues And Boogie Shoes appare infatti come l’incontro ideale tra l’immediatezza melodica di Tommy Keene e l’immaginazione surreale di Pollard. Il disco mantiene un’atmosfera leggera e malinconica, profondamente legata alla tradizione del rock alternativo americano. “Death Of The Party” rappresenta uno dei momenti più belli dell’album. La canzone possiede quella qualità malinconica tipica del miglior power pop: melodie luminose che nascondono però una forte sensazione di perdita e vulnerabilità, le chitarre brillano senza mai diventare eccessive, mentre la scrittura mantiene una naturalezza quasi disarmante. Il disco resta uno dei grandi tesori nascosti dell’indie americano degli anni Duemila, capace di conservare ancora oggi tutta la sua eleganza malinconica.

Broken Social Scene: il caos emotivo di You Forgot It In People

All’inizio degli anni Duemila, quando l’indie rock internazionale stava lentamente uscendo dall’estetica minimalista degli anni Novanta, i Broken Social Scene portarono una nuova idea di collettività sonora. Più che una semplice band, il progetto canadese guidato da Kevin Drew (voce e chitarra) e Brendan Canning (voce e basso) funzionava come una comunità artistica aperta e mutevole, capace di coinvolgere decine di musicisti provenienti dalla scena indipendente di Toronto. La nascita dei Broken Social Scene rappresentò una sorta di reazione emotiva alla frammentazione dell’indie rock di fine anni Novanta. Invece di lavorare sulla sottrazione, il collettivo puntava sull’accumulo: chitarre sovrapposte, orchestrazioni improvvise, voci multiple, rumore, melodia e caos convivevano continuamente all’interno delle loro composizioni. Dopo l’esordio quasi strumentale di Feel Good Lost, il gruppo pubblicò nel 2002 You Forgot It In People, disco destinato a diventare uno degli album più importanti dell’indie rock del nuovo millennio. Il lavoro riusciva a fondere sensibilità pop, noise rock, post-rock e orchestrazioni emotive in un linguaggio completamente personale. Parallelamente il disco contribuì anche a rendere internazionale l’intera scena canadese, aprendo la strada ad artisti come Arcade Fire, Feist e Metric. Il disco è stato il momento della svolta commerciale per la band nonostante siano state usate tecniche di produzione complesse e sperimentali e un gran numero di strumenti, in linea con il notevole ampliamento della formazione della band che vedeva ben 8 membri e la collaborazione di altri musicisti come Leslie Feist. L’entusiasmo locale per l’album è stato così grande che le prime tirature andarono rapidamente esaurite, rendendo necessaria una ristampa nel 2003. La “Cause = Time” inserita in scaletta, condotta dalla voce di Kevin Drew, cresce lentamente attraverso un continuo accumulo di tensione fino a trasformarsi in un’esplosione catartica di chitarre, rumore e melodia. Proprio pochi giorni fa il collettivo canadese ha pubblicato il suo primo album in studio dopo nove anni intitolato Remember The Humans, prodotto proprio dallo stesso David Newfeld che era dietro al mixer ventiquattro anni prima per la registrazione di You Forgot It In People.

ATTO III — Post-punk, memoria e dissolvenze notturne

R.E.M. : la maturità politica e poetica di Lifes Rich Pageant

Cosa si può dire degli R.E.M. che non sia già stato detto? Una carriera trentennale, quindici album in studio, tutti nessuno escluso (anche gli ultimi due nella fase di minore ispirazione) di grande coerenza ed onestà artistica. Michael Stipe e compagni hanno portato con classe, sensibilità ed enorme capacità di scrittura, l’indie rock nel mainstream, vendendo quasi 90 milioni di dischi. Michael Stipe, Peter Buck, Mike Mills e Bill Berry costruirono un linguaggio completamente nuovo, capace di fondere folk rock, post-punk, college rock e sensibilità poetica. Nei primi anni della loro carriera i R.E.M. apparivano quasi misteriosi. I testi criptici di Michael Stipe, le melodie malinconiche e le chitarre jangle di Peter Buck crearono immediatamente un’estetica riconoscibile e profondamente influente. Album come Murmur e Reckoning ridefinirono completamente il panorama del rock indipendente americano, aprendo la strada a gran parte della musica alternativa degli anni Novanta. Dopo l’esperienza travagliata a Londra con il produttore Joe Boyd di Fables Of The Reconstruction, il gruppo per il seguente Lifes Rich Pageant, pubblicato nel 1986, voleva conservare tutta la sensibilità melodica degli esordi introducendo anche una maggiore chiarezza politica e una produzione più potente. I R.E.M. iniziarono infatti ad affrontare temi ambientali, sociali e culturali con una consapevolezza nuova, senza mai perdere la loro eleganza poetica. Volevano un disco davvero energico, che potesse inserire anche pianoforti, organi, fisarmoniche, banjo. Per questo presero in considerazione l’idea di lavorare con il produttore Don Gehman perché avevano apprezzato il suono acustico del suo lavoro con John Mellencamp. E l’album è stato registrato proprio al Belmont Mall Recording Studio di Mellencamp a Belmont, Indiana, dove il gruppo si trovava molto più a suo agio rispetto a Londra e giorno dopo giorno si scopriva sempre più felice della produzione del disco e della maggiore chiarezza che Gehman aveva dato alla voce di Stipe. “Fall On Me” è stato il primo dei due singoli estratti dal disco, una delle prime composizioni della band a trattare il tema dell’ambientalismo, affrontando l’inquinamento ambientale e il problema delle piogge acide, trasformando una questione ecologica in una meditazione profondamente umana sulla fragilità e sull’interdipendenza. Una splendida e ariosa ballata con una delle melodie più indimenticabili, amate e rappresentative dell’intera carriera di un gruppo assolutamente stellare.

Buy the sky and sell the sky and tell the sky and tell the sky

Don’t fall on me (What is it up in the air for) (It’s gonna fall)

Fall on me (If it’s there for long) (It’s gonna fall)

The Go-Betweens: l’eleganza e malinconia di 16 Lovers Lane

Che gran gruppo sono stati i The Go-Betweens. Formati a Brisbane, Australia da due studenti dell’Università del Queensland così diversi ma così vicini come Grant McLennan e Robert Forster. Più aperto e comunicativo il primo, più scuro ed introverso il secondo, trovarono comunque il modo di essere inseparabili e di creare tra le pagine più belle dell’indie rock australiano degli anni ’80. Pur provenendo da un continente lontano, il gruppo trovò presto una forte connessione con la scena indipendente britannica degli anni Ottanta. I loro dischi pubblicati per Rough Trade li inserirono idealmente accanto a realtà come Orange Juice, Aztec Camera o Felt, pur mantenendo sempre una personalità completamente distinta. La forza della band risiedeva soprattutto proprio nel dialogo creativo tra McLennan e Forster: due autori diversissimi ma perfettamente complementari. Grant McLennan possedeva una scrittura più emotiva e malinconica, mentre Robert Forster tendeva verso testi più ironici e osservativi. L’incontro tra queste due sensibilità generava canzoni straordinariamente sofisticate ma mai fredde o intellettuali, riuscendo a trasformare piccoli dettagli quotidiani in racconti emotivi universali. Verso la fine del 1987 la band, dopo 5 anni trascorsi a Londra, decise di tornare a Sydney. Internamente, mentre la relazione tra Robert Forster e la batterista Lindy Morrison era ormai finita, quella tra Grant McLennan e la violinista Amanda Brown si era intensificata. Al loro ritorno in Australia, la band accolse John Willsteed al basso e iniziò a preparare il sesto album. Il processo di registrazione di 16 Lovers Lane fu diverso rispetto alle precedenti pubblicazioni. Tra il dicembre 1987 e il gennaio 1988, McLennan e Forster iniziarono un intenso processo di composizione, realizzando in anticipo i demo di tutte le canzoni e lasciando meno spazio all’improvvisazione. McLennan dichiarò: “Ci siamo davvero seduti per la prima volta dopo anni e abbiamo scritto insieme, nel senso che qualsiasi cosa nuova avessimo ideato la sera prima, la rivedevamo, la riarrangiamo, la scartavamo o la inserivamo in qualcos’altro. Il nostro metodo normale era quello di scrivere separatamente e poi passare due settimane insieme, familiarizzando con le canzoni degli altri e suggerendo idee. Quindi questo modo di procedere era completamente diverso ed era dovuto al tentativo di tornare a ciò che ha dato inizio alla band: l’intimità.” In più, il gruppo era estasiato dal poter lavorare in una città dove le spiagge erano a soli 10 minuti di distanza. Il risultato è un album dove il pop raggiunge vette elevate di malinconia e bellezza. Il primo brano del disco “Love Goes On” è stato anche l’ultimo singolo pubblicato dal gruppo prima dello scioglimento nel dicembre del 1989, brano che possiede una leggerezza melodica straordinaria ma custodisce al tempo stesso una malinconia profondissima. La pausa momentanea (il gruppo si riformò nel 2000) ed i progetti solisti non intaccarono l’amicizia fraterna tra i due che venne tragicamente spezzata nel 2006 quando, un anno dopo l’ultimo capitolo della band Ocean Apart, McLennan morì colpito da un improvviso arresto cardiaco. Da quel momento il capitolo The Go-Betweens è stato considerato definitivamente chiuso e Forster, dopo un momento di comprensibile vuoto, ha ripreso il suo cammino solista che, nel solco della sua vecchia band, non si mostra mai eccentrico ma predilige la profondità delle melodie. Se siete appassionati di letture musicali e non, Forster ha anche scritto uno splendido libro di memorie, intitolato ”Grant And I” per celebrare gli anni trascorsi con il suo grande amico e sodale Grant McLennan.

Peter Blegvad: l’arte, poesia e fragilità di The Naked Shakespeare

Peter Blegvad è una delle figure più singolari e difficilmente classificabili della musica sperimentale europea. Nato a New York City ma artisticamente legato soprattutto alla scena britannica, Blegvad ha attraversato decenni di underground muovendosi continuamente tra musica, letteratura, fumetto e arte visiva. La sua carriera iniziò negli anni Settanta con gli Slapp Happy, progetto avant-pop creato ad Amburgo insieme a Dagmar Krause e Anthony Moore, che univa surrealismo, cabaret europeo e sperimentazione rock. In seguito collaborò anche con gli Henry Cow, entrando così in contatto diretto con l’universo del rock in opposition e della musica d’avanguardia europea. Nonostante queste esperienze estremamente sperimentali, Blegvad ha sempre mantenuto una forte attenzione verso la forma canzone e la scrittura narrativa. Ciò che rende unico il suo lavoro è proprio la capacità di fondere intellettualismo e vulnerabilità emotiva. Le sue canzoni sono spesso costruite come piccoli racconti pieni di ironia, immagini poetiche e improvvise aperture malinconiche. Parallelamente Blegvad ha sempre coltivato una forte attività come illustratore e fumettista, sviluppando un immaginario profondamente personale. The Naked Shakespeare, pubblicato nel 1983, è stato il primo tassello della sua lunga carriera solista. Il disco unisce art rock, folk sperimentale e songwriting letterario in modo assolutamente originale. La cosa che mi ha sempre affascinato del disco è che pur essendo colto e complesso, riesce a mantenere sempre una forte immediatezza emotiva. Sebbene l’album non abbia ottenuto il successo commerciale sperato, proprio la prima traccia dell’album, “How Beautiful You Are” (scritta insieme a John Greaves, storico collaboratore e bassista degli Henry Cow), è stata reinterpretata da Leo Sayer nell’album Have You Ever Been In Love, capace invece di arrivare alla 15 posizione della classifica statunitense. Nonostante l’apparente semplicità, l’album, grazie anche alla sapiente produzione di Andy Partridge degli XTC, conserva una straordinaria libertà creativa, mostrando tutta la forza poetica di un artista che ha sempre preferito l’esplorazione artistica alla ricerca del successo.

Bim Sherman: la spiritualità dub e la malinconia reggae di Miracle

La chiusura del podcast è affidata ad una voce meravigliosa e ad un album che ogni tanto mi piace ritrovare e riscoprire. Jarrett Lloyd Vincent, in arte Bim Sherman, è stato uno degli interpreti più incantati e puri del reggae. Le sue prime registrazioni giamaicane alla fine degli anni ’70 mostravano già una sensibilità particolare: canzoni introspettive, spesso attraversate da un senso di vulnerabilità e ricerca spirituale. Pur lavorando all’interno della tradizione reggae, Sherman sembrava sempre interessato a una dimensione più contemplativa e personale della musica. Ma la vera svolta per lo sviluppo del suo suono è stato il trasferimento a Londra voluto da un produttore fondamentale per l’evoluzione del dub e del reggae come Adrian Sherwood. In Gran Bretagna Sherman ha fatto parte di alcuni collettivi creati da Sherwood con l’intento di ridisegnare confini del reggae e del dub con la sua etichetta On-U Sound. Dopo le collaborazioni con New Age Steppers, The Justice League Of Zion, Singers & Players e Dub Syndicate, nel 1996, poco prima della sua morte, Sherman ha confezionato insieme a Sherwood e all’amico percussionista indiano Talvin Singh, il suo capolavoro: Miracle. E quello che esce da questi solchi è davvero un miracolo. Un tappeto sonoro preparato dalla chitarra di Skip McDonald, del basso di Doug Wimbish, dalle tablas di Singh e dalla presenza eterea della sezione di archi della Studio Beats Orchestra Bombay. Undici tracce tra cui alcune del suo vecchio repertorio, qui asciugate fino a farle diventare di una bellezza eterea, mistica. Paesaggi dub profondissimi, pieni di echi, riverberi e spazi vuoti, con la voce fragile di Sherman che emerge lentamente dal suono. Un disco che accarezza mente e cuore, capace di farci sognare cullati dalla voce sussurrata ma profonda di un artista che purtroppo ci ha lasciati nel 2000 a soli 50 anni per un male incurabile. Ogni volta che si mette questo disco sul piatto e partono le prime battute di “Bewildered” si ripete ogni volta un miracolo, quello che ci fa appassionare, commuovere e che ci fa abbandonare completamente: il miracolo della bellezza più pura.

Questo 17° episodio è stato disegnato come una mappa emotiva che attraversa epoche, linguaggi e geografie differenti senza mai perdere coerenza. Una sequenza di brani che dimostra come la musica alternativa continui ancora oggi a reinventarsi partendo dalle sue ombre, dalle sue intuizioni e dalla sua inesauribile capacità di creare mondi.

E non finisce qui. Il prossimo appuntamento con Sounds and Grooves, il diciottesimo episodio stagionale, attraverserà paesaggi sonori in continua trasformazione: dalla trance matematica degli Horse Lords alla psichedelia cosmica dei Can, passando per il folk visionario di Van Morrison, il ritorno commovente di Paul McCartney, il doom rituale degli OM, il jazz scandinavo e i paesaggi atmosferici di Mariam Wallentin & Vestnorsk Jazzensemble, le derive ambient dei Seefeel e le memorie elettroniche e cinematiche dei Boards Of Canada. Un viaggio tra progressive, jazz nordico, elettronica, krautrock, folk e sperimentazione sonora, costruito come una lunga esperienza immersiva dove ogni brano dialoga con il successivo.

Il tutto sarà, come sempre, sulle onde sonore della podradio più libera ed indipendente del pianeta: radiorock.to.

Potete sfruttare la parte riservata ai commenti qui sotto per darmi suggerimenti, criticare (perché no), o proporre nuove storie musicali. Mi farebbe estremamente piacere riuscire a coinvolgervi nella programmazione e nello sviluppo del mio sito web.

Per suggerimenti e proposte, scrivetemi all’indirizzo e-mail stefano@stefanosantoni14.it.

Potete ascoltare o scaricare il podcast anche dal sito di Radio Rock The Original cliccando sulla barra qui sotto.

Buon Ascolto

1. THE HEADS: On  da  ‘yourprettyplaceisgoingtohell’ (2026 – Rooster Rock)

2. ULRIKA SPACEK: Build A Box Then Break It  da  ‘Expo’ (2026 – Full Time Hobby)

3. KNEECAP: Cocaine Hill (feat. Radie Peat)   da  ‘FENIAN’ (2026 – Heavenly Records)

4. COCANHA: Remenanuèch   da  ‘Flame Folclore’ (2026 – Les Disques Bongo Joe)

5. MY PRECIOUS BUNNY: KookieCannibal  da  ‘A Moment In My Eyes’ (2026 – Bella Union)

6. ALDOUS HARDING: One Stop  da  ‘Train On The Island’  (2026 – 4AD)

7. GRANT LEE BUFFALO: Jupiter And Teardrop  da  ‘Fuzzy’  (1993 – Slash)

8. KEENE BROTHERS: Death Of The Party  da  ‘Blues And Boogie Shoes’ (2006 – Fading Captain Series)

9. FELT: Primitive Painters (feat. Elizabeth Fraser)  da  ‘Ignite The Seven Cannons And Set Sail For The Sun’ (1985 – Cherry Red)

10. BROKEN SOCIAL SCENE: Cause = Time  da  ‘You Forgot It In People’ (2002 – Arts & Crafts)

11. R.E.M.: Fall On Me  da  ‘Lifes Rich Pageant’ (1986 – I.R.S. Records)

12. BLUE ORCHIDS: Hanging Man da  ‘The Greatest Hit (Money Mountain)’  (1982 – Rough Trade)

13. HOUSE OF ALL: Prince Of This World da  ‘Inklings’ (2026 – Tiny Global Productions)

14. THE GO-BETWEENS: Love Goes On!  da  ‘16 Lovers Lane’  (1988 – Mushroom)

15. PETER BLEGVAD: How Beautiful You Are  da  ‘The Naked Shakespeare’ (1983 – Virgin)

16. BIM SHERMAN: Bewildered  da  ‘Miracle’ (1996 – Mantra Recordings)